Al retratar el México de los años 20, la actriz y activista rompió con los paradigmas de la fotografía de esa época.

El haber roto con los paradigmas de la fotografía en una época en que prácticamente no había mujeres dedicadas a esta actividad artística, la italiana Tina Modotti abrió una nueva visión para dar paso a La vanguardia fotográfica en México, nombre con el que se titula a la exposición itinerante que se exhibe en el Museo de Arte Contemporáneo Alfredo Zalce (Macaz) de la ciudad de Morelia, Michoacán.

Se trata de una serie en blanco y negro de más de 20 imágenes que forma parte del archivo del Sistema Nacional de Fototecas del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) que retratan el México de los 20 y abarcan prácticamente siete años de su producción meramente artística, señala Vicente Guijosa, director del Macaz.

“Las fotos que tenemos son ya ese acercamiento a tomar composiciones, la famosa fotografía de los alcatraces, la del poste donde todos los cables están alineaditos, en lo que se hace y se abre una nueva visión, por eso es que se le llama vanguardia de la fotografía en México, porque de ahí se contagia don Manuel Álvarez Bravo y después, su esposa, doña Lola (Dolores Álvarez Bravo)”, explica el también fotógrafo.

Abierta al público desde el pasado 24 de julio, es una exposición hecha de las placas originales donadas a la Fototeca a la muerte de Tina, por lo que, al estar dicho acervo en poder del INAH su función es difundir la obra, pero sin afectar los originales, algunos de ellos hechos en placa de vidrio.

De acuerdo con Guijosa, algunas de las imágenes que se muestran “son una maravilla que están por cumplir 100 años, en comparación con lo que el mundo está retratando en estos momentos que estamos vueltos locos con los celulares y otros aparatos”.

Refiere que las cámaras usadas a principios del siglo pasado eran las de rollo y no podían tomar más de ocho fotografías, o bien, otras que eran de placa, para cámara de madera, utilizadas en estudio, donde la imagen que se capturaba estaba más planificada.

“Entonces, la fotografía no era para nada con la velocidad con la que ahora podemos hacer una imagen o cien imágenes en media hora, ahí eran unas cinco, 10, unas 20 por día, si bien les iba”, refiere el director del Macaz.

La Vanguardia de la fotografía en México refleja el estilo fotográfico, el momento histórico y la vida de Tina Modotti, mujer excepcional que utilizó sus imágenes como herramienta de cambio social. Que vivió en una época en la que eran muy pocos los espacios para las mujeres en la fotografía y, quienes se dedicaban a esta actividad “no salían del paisaje mexicano, de la chocita, del burrito, de los volcanes”, refiere Vicente Guijosa.

La exposición estará disponible hasta el 1 de septiembre en el Museo de Arte Contemporáneo Alfredo Zalce, el cual se encuentra ubicado en la calle de Acueducto No. 18, colonia El Bosque, en la ciudad de Morelia, en un horario de lunes a viernes de 10 de la mañana a 8 de la noche y fines de semana de 10 de la mañana a 6 de la tarde. La entrada es gratuita.

Los artesanos Miriam Castañeda y Martín Ramírez crean la colección de 25 calaveras de cartón que muestran las costumbres, rituales y danzas morelenses.

Costumbres, rituales y danzas de Morelos resurgen a través de la muestra La otra vida en Tamoanchan, exposición compuesta por 25 calaveras de cartón manufacturadas por las manos creativas de Miriam Castañeda y Martín Ramírez, la dupla de artesanos reconocidos dentro de los 25 grandes maestros del Arte Popular Morelense.

Cada pieza cuenta una historia distinta acompañada de “pequeños ganchos de magia”, como le nombra Martín a la ficha descriptiva adjunta a cada calaverita, que de manera poética describe el oficio o la costumbre que escenifica la protagonista de manera viva, colorida, alegre, jugando y bailando. 

Miriam, originaria de Jojutla y licenciada en Diseño Gráfico, y Martín, nacido en Cuernavaca, narran que la idea nació de ver con preocupación que hoy en día se está perdiendo la costumbre de reunirse en familia para escuchar al abuelo o al padre platicar anécdotas que describan las costumbres, los oficios y los vestuarios de nuestros ancestros, por lo que decidieron incorporar elementos muy locales que platicaran esas historias.

Explica Martín, el artesano de oficio y rockero de corazón, que esta colección, la cual les llevó dos años de producción, está respaldada por una minuciosa investigación bibliográfica, fotográfica y oral que les fue narrada por ancianos de la región, quienes conocieron de primera mano la otra vida en Tamoanchan, un lugar mítico de las culturas mesoamericanas.

La cartonería, explica Miriam, es un oficio de paciencia y mucho detalle porque se trata de un proceso que no se lleva a cabo en partes, es una obra que se inicia y no se deja hasta verle el fin.

“Empiezas haciendo la estructura general del cuerpo, luego la vistes, le pones los accesorios, la pintas y la decoras. Es un proceso en el que cada pieza lleva alrededor de tres meses de trabajo, pero en realidad lo que lo alarga más es el tiempo entre proceso y proceso, porque se requiere del secado y armado escrupuloso”, explica la diseñadora gráfica multipremiada y egresada de la Universidad del Sol de Cuernavaca.

Por otro lado, afirma Martín, egresado del Instituto Regional de Bellas Artes de Cuernavaca donde por siete años estudió dibujo, pintura y grabado, que el trabajo familiar de cartonería realizado desde 1997 con el sello de Los Ramírez-Castañeda de Xoxocotla, Morelos, tiene una amplia gama de figuras como los alebrijes, muñecas de sololoy, remigios y calacas que han llegado a las salas de exposición del National Museum of Mexican Art en Chicago, del GoggleWorks Center for the Arts en Pennsylvania y del Instituto Smithsoniano en Washington DC.

Sin embargo, las calacas, por no tener barreras culturales y al ser México exportador de la fiesta de la muerte, “las elegimos como las embajadoras de la tradición morelense para que lleven este mensaje al mundo”, recalca el artesano.

En cuando a los “pequeños ganchos de magia” que acompañan a cada pieza, son textos que de manera conjunta construyeron poéticamente los González-Castañeda para hacer la muestra más atractiva y que propicie un recuerdo que nos conecte con nuestra raíz, con nuestra familia y sus costumbres.

Con la investigación bibliográfica y apoyados por la investigadora de arte popular Patricia Jiménez Pons, los artesanos están trabajando en un catálogo que compendia textos y fotografías de esta exposición y que esperan presentarlo a más tardar en tres meses.

Finalmente, los González-Castañeda adelantan que La otra vida en Tamoanchan tiene mucho más que mostrar, muchos personajes más por materializar, por lo que dejan en claro que más adelante, “esta historia continuará…”

Miriam y Martín han ganado en varias ediciones del concurso de Arte Popular Morelense, y han impartido talleres de cartonería en instituciones como el Museo de Culturas Populares de la Ciudad de México, La Cerería de Tlayacapan, escuelas y bibliotecas públicas del estado de Morelos, el Consejo Nacional de Fomento Educativo, la Facultad de Artes de la Universidad Autónoma del Estado de Morelos, el Tecnológico de Monterrey campus Morelos, el Sistema Morelense de Radio y TV del Congreso del Estado, y en San Luis Potosí, para el centro cultural El cuco machorro.

En Estados Unidos han impartido talleres en Reading High School y GoggleWorks Art Center de Reading Pennsylvania, en el National Museum of Mexican Art de Chicago, Illinois, y Esperanza Center en San Antonio.

La otra vida en Tamoanchan se exhibió hasta abril en el Museo Nacional de la Máscara en San Luis Potosí. Actualmente puede ser visitada en el Museo Morelense de Arte Popular, donde permanecerá hasta el 17 de noviembre acompañada de diversas actividades y talleres paralelos.

Pese a que la producción pictórica lo acompañó siempre y su ejecución se dio aleatoriamente con sus grandes obras arquitectónicas, fue hacia el final de su vida que dedicó mayor entrega a esta disciplina.

Con apenas 24 años de edad, Juan O’Gorman revolucionaría la arquitectura en México al construir la que es conocida como la primera casa funcionalista del país, un proyecto edificado en Palmas 81, San Ángel. Esta edificación poseyó una marcada influencia que Le Corbusier –uno de los más grandes exponentes de la arquitectura moderna– dejó en O’Gorman a través de su obra, y estableció en el país el inicio de una producción arquitectónica enmarcada en el funcionalismo; es decir, construcciones cuya forma deriva completa y únicamente en relación con su función utilitaria.

En 1930, un año después de realizar esta edificación, Diego Rivera le encargó la construcción de su casa-estudio, hoy conocida como Museo Casa-Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo. El contacto y amistad con el muralista y la pintora detonó en O’Gorman un acercamiento a las ideas socialistas y comunistas, mismas que tuvieron influencia en sus obras posteriores.

Para 1932 fue nombrado Jefe de la Oficina de Edificios de la Secretaría de Educación Pública, lo cual se tradujo en la construcción de más de una veintena de escuelas funcionalistas en Ciudad de México.

También es conocido por su arquitectura orgánica, una corriente que busca integrar armónicamente las edificaciones con la naturaleza. La casa construida en 1949 en la avenida San Jerónimo es representativa del inicio de esta etapa en la obra de O’Gorman, quien se vio influenciado por el arquitecto estadounidense Frank Lloyd Wright. Asimismo, el diseño de la Biblioteca Central de la Universidad Nacional Autónoma de México, que abrió sus puertas en la década de 1950, responde a este principio de arquitectura orgánica.

Si bien el trabajo arquitectónico de O’Gorman atrajo hacia él la admiración y la crítica, otra de las ramas artísticas en las que destacó, y en la que incluso en ocasiones es mejor ubicado, es la pintura.

Juan O´Gorman nació en una familia encabezada por Cecil Crawford O’Gorman y Encarnación O’Gorman Moreno. Su padre, de origen irlandés e ingeniero químico de profesión, influyó en él para que se desarrollara en el ámbito artístico y encontrara en la pintura una forma de expresión.

Pese a que la producción pictórica lo acompañó a lo largo de toda su vida y su ejecución se dio aleatoriamente con sus grandes obras arquitectónicas, fue hacia el final de su vida que dedicó mayor entrega a esta disciplina.

Gran parte de su producción pictórica se desarrolló en la pintura mural, la cual posee una notoria influencia de Diego Rivera.

La primera obra mural importante de O’Gorman son los murales del Aeropuerto Internacional de la Ciudad de México, los cuales fueron realizados en 1937 y proyectaban la historia del desarrollo de la aviación.

Entre 1950 y 1951 realizó la que sería considerada una de sus obras murales más famosas y reconocidas por su temática y dimensiones. Se trata de los murales ubicados en las cuatro caras que conforman la parte superior de la fachada de Biblioteca Central de Ciudad Universitaria, donde plasmó– a través de mosaicos realizados con piedras traídas de diferentes puntos del país– el pasado prehispánico, la época el colonial, el mundo contemporáneo y el México actual.

Se estima que este conjunto de murales miden cerca de 4 mil metros cuadrados.

Posterior a esta obra realizaría en 1960 los murales en el Retablo de la Independencia en el Castillo de Chapultepec. Para 1963 ejecutaría el ubicado en el Seguro Social en la Unidad Independencia de San Jerónimo; en 1965 el del Banco Internacional en Paseo de la Reforma y para 1968 el de la Sala de la Revolución en Chapultepec. Estos son apenas algunos ejemplos del desempeñó de O’Gorman en la pintura mural.

En lo que respecta a la pintura de caballete, sobresale su serie de autorretratos realizada entre los años cuarenta y cincuenta, etapa en la que destaca el realizado en 1950, donde se representa a sí mismo cinco veces en diferentes actividades y atuendos.

En su obra pictórica de caballete también plasmó paisajes como el Recuerdo de los Remedios (1943) y La Ciudad de México (1949). En este rubro se caracteriza por la conjunción de la precisión en el dibujo que como arquitecto dominaba, los símbolos de la identidad nacional y las inquietudes contemporáneas.

Finalmente, otra característica bajo la que se inscribió la pintura de O’Gorman fue la fantasía, pues solía plasmar paisajes oníricos o escenas que remontan a lo apocalíptico. Estos elementos eran acompañados  de una marcada crítica política o ideológica, pero en la mayoría de los casos los cuadros estaban abiertos a la interpretación. Como ejemplo se encuentran Monumento fúnebre del capitalismo industrial (1943), Proyecto de monumento al nacimiento de Venus (1976), Nuestra maravillosa civilización (1976), entre otras.

Además de ser revolucionario e innovador en materia arquitectónica y de destacar en la plástica, O’Gorman se caracterizó por ser sumamente fiel a sus principios, ideologías y posturas políticas, las cuales se asentaban en su simpatía por el marxismo, su inmensa admiración por el arte popular y el nacionalismo. Todas y cada una de sus obras, ya sea en materia arquitectónica, en la pintura o el muralismo, se vieron empapadas por estos principios que de alguna manera las justificaban y daban cuenta de su preocupación por la congruencia.